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Música Clásica y ópera de Classissima

Claude Debussy

viernes 31 de octubre de 2014


Ópera Perú

16 de octubre

Maxim Vengerov y su trascendente paso por Lima

Ópera PerúFoto: Miguel CarrilloPor Gonzalo Tello (Ópera Perú)El virtuoso violinista Maxim Vengerov nos visitó por primera vez y tuvo el tiempo de conocer la ciudad. El llegó invitado por la Sociedad Filarmónica de Lima para presentarse dentro de su temporada de abono. Ni bien aterrizó tuve el placer de conversar con él en una larga y muy rica entrevista en la cual me expuso claramente sus objetivos, motivaciones y expectativas con esta visita, así como su interesante visión de la vida como músico, y como la lleva alrededor del mundo.Vengerov, una persona muy asequible, simpática, graciosa y amena, tiene muchísimas historias que contar. Su visita fue bien aprovechada ya que aceptó dar una clase maestra a estudiantes y jóvenes intérpretes del Conservatorio Nacional de Música e integrantes de orquestas juveniles, como la del Conservatorio o la Sinfónica Nacional Juvenil.Sigue a Ópera Perú en Facebook y Twitter. La Masterclass La cita fue este lunes por la mañana en el auditorio Santa Úrsula, en la cual durante dos horas y media, trabajó con seis participantes. El primero presentó el concierto de Tchaikovsky, los dos siguientes el de Mendelssohn, y los tres siguientes obras de Bach. Con cada uno de ellos Vengerov fue minucioso detallando errores y defectos, y recomendando mejoras en la interpretación con ejemplos muy didácticos y amenos. Otros estudiantes que fueron como observadores escucharon minusiosamente los consejos que daba en artista. Dentro de estos consejos dados por el maestro, fueron recurrentes el no forzar ni tensar el cuerpo, sino tocar con la mayor naturalidad posible, soltar los brazos y mejorar la técnica en ciertos pasajes con ambas manos. Algo que Vengerov me dijo en la entrevista y que lo aplicó en esta Masterclass es que le sugirió a los participantes buscar conectarse con la naturaleza, y buscar referentes en la historia y en los grandes violinistas de todos los tiempos. Mientras trabajaba con el participante en la pieza de Mendelssohn, un talentoso violinista menor de edad, Vengerov le pregunta "Alguna vez has ido a la ópera", el chico responde "no". "Pues, anda a la ópera". Este me pareció un ejemplo poderoso, del cual se desprende un consejo muy importante, a lo cual quisiera acotar algo que siento que adolece en los jóvenes de nuestro medio. El talento es un don, que cuando lo tenemos nos puede abrir las puertas de la virtuosidad y el éxito. Pero la clave del triunfo no recide solo ahí, sino en que como intérpretes tenemos que ampliar nuestra cultura general a todas las artes posibles. No podemos como músicos quedarnos sólo en la práctica de la música, hay que apreciar y buscar en otras artes, en la naturaleza, el teatro, la pintura, literatura, poesía, danza, y demás. Siento que muchos músicos jóvenes se dedican tanto a practicar su instrumento que carecen de curiosidad por explorar otras artes y así no tienen mayores recursos que los ayudarán a formar carácter y enriquecer su arte. Nuestro medio nacional es uno difícil, en el cual impera el conformismo, el ánimo derrotero, la falta de conexión con el resto del mundo, la falta de competitividad y mucha basura distractora. Eso es un problema que tenemos en nuestra sociedad, vivimos en un medio que nos aplasta, nos hace pensar que la corrupción es normal, donde el envidioso de al lado nos frena, creamos prejuicios y no somos auténticos. Los chicos de ahora no sólo no son conchudos sino que carecen de iniciativa para aprender nuevas cosas. Creo que la clave de eso es vivir y madurar lo mas pronto que se pueda.Esto no es difícil, no necesitamos tener mucho dinero para ir a conciertos o ver obras de teatro u otras artes. Tampoco necesitamos mucho dinero para viajar y ver otras realidades, el mundo de hoy está conectado y todo se encuentra en internet. Hay conciertos y eventos de entrada libre, si queremos ver arte las grandes obras maestras están en internet, podemos leer a los grandes clásicos gratis también en la red...no hay excusa para no conocer tantas cosas positivas que nos enriquecen.Ese es mi consejo para los jóvenes. Seamos conchudos, atrevidos y arriesgados, tengamos personalidad y desterremos los prejuicios, he ahí la clave del éxito y lo que nos hará destacar de la masa. Este consejo no sólo va para los estudiantes que recién empiezan. Es algo recurrente que veo en artistas profesionales, incluso en productores de espectáculos. Solo hacen lo suyo y no participan de lo que otras compañías o grupos hacen. Los músicos solo van a lo suyo, los actores sólo ven sus obras y las obras de sus amigos, etc. Es necesario desterrar esos vicios, que creo que nos limitan como sociedad que no ha despegado todavía. No nos engañemos con chauvinismos de crecimiento. Nuestro país sigue siendo subdesarrollado mientras nuestra sociedad sea una con todos estos defectos.Gracias a Vengerov y otros artistas que nos visitan y nos muestran una excelencia en su arte, podemos contagiarnos de esta fiebre y avanzar hacia el verdadero desarrollo, no el ficticio que nos venden los medios locales y nos tiene aletargados.Foto: Miguel Carrillo El recital con Vag PapianEste martes fue un día histórico. Maxim Vengerov al violín, junto con el armenio Vag Papian al piano, ofrecieron uno de los recitales mas energéticos y ricos que yo recuerde. Como ya me había anunciado Vengerov cuando conversamos, el programa que presentaron en Lima fue muy especial, ya que no era el clásico en el cual presentan un par de sonatas y algunos regalos. Aquí quisieron hacer algo diferente, presentando un complejo y muy completo panorama de lo que es la música de cámara para violín y piano.Conociendo de sobra la carrera y trayectoria de Vengerov, es preciso decir que Vag Papian también es un artista con amplia carrera y gran virtuosidad. Estudió en un grupo de élite en el Conservatorio de San Petersburgo, y en 1984 fue invitado por Valery Gergiev a formar parte de la Filarmónica de Armenia, de la cual fue su director. Ha dirigido orquestas en todo el mundo y durante años ha sido compañero de Maxim Vengerov en recitales sobre los escenarios mas importantes. También fue el primer profesor de dirección de Vengerov, por lo que su conexión en la interpretación es profunda. El programa consistió, en la primera parte, en dos sonatas poderosas: Primero la Sonata en la mayor de Cesar Franck, pieza romántica de gran calibre y un gran ejemplo de la Escuela Francesa. Pieza virtuosa en la que Vengerov pudo lucir todos los recursos del violín, con mucha fuerza pero también exquisito lirismo y precisión. Papian dió una interpretación no tan modesta, sino con mucha fuerza y expresión, simulando un gran cuerpo orquestal en el acompañamiento. Acto seguido pasaron a la Sonata no. 1 en fa menor de Sergei Prokofiev, obra oscura escrita por el autor durante su estancia en Estados Unidos, en tiempos de la Segunda Guerra Mundial. Las características eran mucho mas minuciosas, de temperamento serio y directo, con muchos matices. Fue una gran contraparte de la primera sonata, y ambas mostraron la variedad del espectro musical. Esta primera parte fue realmente grande y profunda. El público estuvo concentrado y exaltado al final. En la segunda parte Vengerov se dirigió al público para explicar en qué consistía este programa tan diferente y particular. Iba a ofrecer una serie de obras cortas escritas por violinistas virtuosos de los siglos XIX y XX y antes de cada obra iba contando divertidas anécdotas sobre las piezas y sus autores. Le advirtió al público que tenían mucha música preparada, así que esperaba que tuvieran tiempo suficiente por delante. El público se emocionó.Inició esta parte con dos piezas de Johannes Brahms: El Scherzo de la Sonata FAE y la Danza Húngara no. 2. Luego siguió el aire folklórico con la Danza Eslava no. 2 de Dvořák, en arreglo del famoso violinista Fritz Kreisler. Vengerov destacó que esta obra fue interpretada en su tiempo por el legendario violinista Mischa Elman, al cual admira profundamente y es su héroe. El programa con estas danzas se volvió mucho mas fresco y de ambiente cabaretesco.Seguidamente interpretaron una bellísima obra, Legende, Op. 17, del violinista polaco Henryk Wieniawski, quien cautivó al público en su época. Este artista llevó la herencia de la Escuela Francesa a Rusia, invitado por Rubinstein, de la que salieron grandes talentos como Heifetz o Oistrakh.Seguidamente vinieron dos piezas, Schön Rosmarin y Liebesfreud, del violinista Fritz Kreisler. Este intérprete se presentaba en recitales junto al pianista Sergei Rachmaninov, durante la primera mitad del siglo XX.A continuación, Vengerov interpretó solo al violín el Caprice no. 24 de Niccolò Paganini, quizá el mas famoso violinista de la Escuela Italiana. Esta pieza fue brillante y muy difícil, y la interpretación de Vengerov fue tan perfecta que arrancó una gran ovación cuando aún no la había terminado.Vengerov nos contó luego que, así como grande fue Paganini, también lo fue el belga Eugène Ysaÿe, quién escribió bellísimas sonatas para violín solo, y fue una pena que no haya compuesto un concierto para violín y orquesta. De este autor, interpretó la sonata Ballade no. 3, obra también brillante como la de Paganini, pero con un estilo propio. Franck y Debussy escribieron obras dedicadas a este artista, lo cual nos muestra su grandeza.Antes de la última pieza del programa, presentaron un ´encore´. Este fue la pieza "Après un rêve", del francés Gabriel Fauré, inspirada y famosa obra del repertorio. Para terminar, presentaron el Estudio en forma de vals, de Camille Saint-Säens, transcrita por Eugène Ysaÿe para violín y piano. Así terminó el programa oficial. Con lo que, ante los gritos y ovación, Vengerov y Papian volvieron rápidamente para los "Encores". Generosa y emocionadamente ofrecieron las danzas húngaras no. 1 y 5 de Johannes Brahms, las más famosas de su serie de 21 danzas. En estas obras Vengerov se permitió improvisar pasajes virtuosos que exaltaron al público nuevamente.  El público enfervorizado gritaba y quería mas. El recital llevaba ya mas de dos horas y media. Finalmente, Vengerov, emocionado, dijo que esta fue para ellos una noche mágica y muy especial, y regaló la famosa Méditation de la ópera Thaïs de Jules Massenet.Cuando llegúe a su hotel la mañana del sábado para entrevistarlo, lo primero que escuché en el lobby fue un pasaje de la Méditation, interpretada por Vengerov mientras era fotografiado. Cerrar con esta misma obra en el recital para mi completa una extraordinaria experiencia con este mágico artista.El público, en su mayoría admiradores y estudiantes de violín bloquearon las puertas de salida del Santa Úrsula gritando y esperando que el artista salga para tomarse fotos con el. Las monjas deben haberse despertado de la bulla, pero espero hayan sido tolerantes con la experiencia tan rica e histórica que se vivió este martes allí. En términos de variedad de programa, maestría y virtuosidad demostrada, debo decir que este ha sido el mejor recital que Lima ha visto en varios años, de un artista vigente que no ha perdido su toque ni estilo, mucho menos su potencia y energía. En este sentido creo que el artista logra su objetivo, de desconectarnos de las preocupaciones y distracciones del mundo actual, y llega a conectarnos de forma exitosa con nuestra esencia. El electrizante Vengerov nos dejó una noche para el recuerdo.Sigue a Ópera Perú en Facebook y Twitter.

Scherzo, revista de música

23 de octubre

Judith Jáuregui presenta "Aura"

Tres compositores, tres nacionalidades y tres momentos históricos unidos por una misma estética: la impresionista. Franz Liszt, Claude Debussy y Frederic Mompou son los protagonistas de este viaje en busca de la luz y del color. leer más




Ópera Perú

3 de octubre

Gran cellista Iagoba fanlo presenta dos recitales en Lima

SFLEste 6 y 7 de octubre vuelve el renombrado cellista español Iagoba Fanlo, para dos presentaciones en Lima. Ambas dentro de la temporada de abono de la Sociedad Filarmónica de Lima.Su primera presentación del 6 de octubre será muy especial pues presentará las seis suites para cello de Johann Sebastian Bach, obra referencial para este instrumento. Esta será una presentación especial que por su duración se iniciará mas temprano, a las 7:00 pm, en el Auditorio Santa Úrsula.El segundo recital del 7 de octubre lo hará junto al pianista español Iván Martín, e incluirá obras de Beethoven, Cassadó, Rubio, Casals y Brahms. Este recital será a las 7:45 pm también en el Santa Úrsula.Iagoba Fanlo actualmente ocupa la Jefatura del Departamento de Cuerda del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid e imparte regularmente clases magistrales en la Royal Academy of Music de Londres. Es además Director Artístico del Concurso Nacional de Violonchelo “Florián de Ocampo” y Associate of the Royal Academy of Music of London. En el 2009 junto al pianista Iván Martín, ofreció la primera audición de la obra inédita para violonchelo y piano de Pau Casals a petición de la propia Fundación Casals. Colabora habitualmente como profesor y director del Festival Junger Künstler de Bayreuth.Su grabación de las Seis Suites para violonchelo solo de J.S. Bach con el sello Arsis ha recibido las mejores críticas de los medios especializados, siendo especialmente recomendado en las revistas CD Compact, Ritmo, The Strad y Scherzo. Ha actuado en Festivales Internacionales como los de Salzburgo, Praga, Badajoz, Peralada, Quincena Musical Donostiarra, León, Otoño Soriano, Osaka y Edimburgo.En 1994 es seleccionado para interpretar el concierto de E. Elgar bajo las batutas de Y. Menuhin y Lynn Harrell, debutando junto a éste y la orquesta de la Royal Academy de Londres ese mismo año. Ha sido solista con London New Sinfonia, Northern Chamber Orchestra, Saint Petersburg’s Chamber Orchestra, Orquesta Sinfónica de Ciudad Real, Orquesta Sinfónica de Castilla y León, Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia, Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, Orquesta Nacional de España, Orquesta Filarmónica de Málaga, North Czech Philharmonic Orchestra, Virtuosi di Praga o la Orquesta Nacional de Panamá. Ha interpretado los conciertos de Haydn, Dvorak, Boccherini, Tchaikovsky, Beethoven, Gulda, Nin-Culmell o Rodrigo entre otros, bajo las batutas de O. Vlcek, J. Bernàcer, P. Halffter, R. Sanz-Espert, Y. Sharovsky, C. Olivieri-Munroe, H. Ávila, O. Lenard, J. Cantarell-Rocha, A. Ros-Marbá, J. de Eusebio o Colin Metters.Ha ofrecido recitales en Europa, Asia y América, trabajando junto a compositores como M. Balboa, G. Ligeti, J.M. Sánchez-Verdú, G. Kúrtag o C. Halffter y actuando en Festivales Internacionales como los de Salzburgo, Praga, Badajoz, Peralada, Quincena Musical Donostiarra, León, Otoño Soriano, Osaka o Edimburgo.Prestigiosos compositores como B. Casablancas, E. Guimerá, M. Del Barco, T. Aragüés, I. Bagueneta, A. Romero, R. Paús, J. Jacinto, M. Martínez Burgos, G. Díaz Yerro, P. Halffter o C. Perón le han dedicado sus obras.Su actividad con el violonchelo barroco le ha llevado a compartir escenario con S. Standage, D. Schrader o L. Dreyfus y a grabar un disco compacto junto con A. Martínez Molina con sonatas de D. Porretti y L. Boccherini, del que, según Anner Bijlsma, “es como si se pudiera escuchar al mismísimo Boccherini tocando….”.Ha sido violonchelo solista de la Orquesta Joven de la Unión Europea (E.U.Y.O.) y Orquesta de Cámara de Nagaokakyò (Japón) y ha trabajado con directores como Carlo María Giulini, Mistislav Rostropovich, Bernard Haitink, K. Sanderling, G. Prêtre, R. Norrington o Colin Davis.Completa su formación con E. Fanlo Altuna en San Sebastián, su ciudad natal, continuando estudios de postgrado junto a D. Strange y J. Ward-Clarke (violonchelo barroco) en la Royal Academy of Music de Londres y en la Hochschule der Kunste de Berlín junto a W. Boettcher.Iagoba Fanlo es Director Artístico del Concurso Nacional de Violonchelo “Florián de Ocampo” y Associate of the Royal Academy of Music of London.Actúa con un violonchelo construido por I. Guillamí en 1746. (Con información de Iagobafanlo.com).Ivan Martín nació en Las Palmas de Gran Canaria en 1978, comenzó sus estudios musicales a los cinco años y tras su paso por el Conservatorio Superior de Música de Las Palmas amplió su formación musical en la Escuela Superior de Música Reina Sofía de Madrid bajo la dirección de Dimitri Bashkirov y Galina Eguiazarova y posteriormente con el maestro polaco Ireneusz Jagla en Palma de Mallorca. Empezó su carrera tocando una obra de Chopin, compositor al que el pianista canario da protagonismo en el programa que ha elegido para su debut en el Festival de Torroella. El virtuosismo y espectacularidad de las obras de Chopin, en especial la Andante- Spianato y Gran Polonesa  Brillante, comparten programa con obras del padre Antoni Soler, Scarlatti y Debussy. Colabora con la mayoría de las orquestas españolas, así como con la Orquesta de París, la Filarmónica de Estrasburgo, Virtuosos de Praga, Filarmónica de Helsinki, Orquesta de Cámara de Polonia, Filarmónica de Zagreb, Sinfónica de Santiago de Chile... Ha tocado bajo la dirección, entre otros, de Gerd Albrecht, Maurizio Benini, Max Bragado, Christoph Eschenbach, Pedro Halffter, Jean Jacques Kantorow, Andrian Leaper, Miguel Ángel Gómez Martínez, Joan Pons, Antoni Ros Marbà, Antoni Wit. Y ha actuado en destacados festivales y salas de conciertos entre los que destacan los festivales de la Roque d’Anthéron, Orford International Music Festival de Canadá, Cervantino de México, Granada, Peralada y Canarias; y las salas de conciertos Berliner Phiharmonie, Concertgebouw de Amsterdam, Sala Pleyel de París y Cernegie Hall de Nueva York. Comprometido con la creación musical, ha protagonizado estrenos de obras de compositores como Antón García Abril, Cristóbal Halffter, Pilar Jurado, Daniel Roca, Alberto Martínez o Ramón Paús. Ha debutado como director interpretando los conciertos para tecla de Bach junto con la orquesta Proyecto Bach en colaboración con Juventudes Musicales de España y los conciertos de Mozart junto a la orquesta de cámara Liceo de Barcelona y ha fundado recientemente “Galdós Ensemble”, un nuevo y versátil grupo orquestal con el fin de interpretar música del período barroco y el clasicismo, así como también música moderna y contemporáneaEntradas a la venta en Teleticket de Wong y Metro. Lunes 6 de octubre – Auditorio Santa Ursula, 7:00 p.m.IAGOBA FANLO, chelo EspañaXII Concierto de la Temporada de Abono 2014 J. S. BACH (1685 – 1750)Suites para violonchelo solo, BWV 1007-1012 Suite Nº 1 en sol mayor, BWV 1007Suite Nº 6 en re mayor, BWV 1012Suite Nº 2 en re menor, BWV 1008Suite Nº 4 en mi bemol mayor, BWV 1010Suite Nº 3 en do mayor, BWV 1009Suite Nº 5 en do menor, BWV 1011 Martes 7 de octubre – Auditorio Santa Ursula, 7.45 p.m.IAGOBA FANLO, chelo/Ivan Martin, piano EspañaXIII Concierto de la Temporada de Abono 2014IAGOBA FANLO / IVAN MARTIN Ludwig van Beethoven (1770-1827)Sonata en La Mayor op.69 Gaspar Cassadó  (1897-1966)Sonata nello stile antico spagnuolo Agustín Rubio (1856-1940)Papillon (rev. Fanlo/Martín)Boléro (rev. Fanlo/Martín) Pau Casals    (1876-1972)Rêverie (rev. Fanlo/Martín) Johannes Brahms   (1833-1897)Sonata en Mi menor op.38

Jean Sibelius

25 de septiembre

Biografía (41): la Sexta Sinfonía, viajes por Suecia e Italia (1923)

Capítulo anterior (40): suites, trabajos menores y la muerte de su hermano Christian (1922)__________________ Si las entradas en el diario de Sibelius durante 1922 fueron escasas, en este año de 1923 serán aún menos aún- sólo dos páginas -, lo que unido a una disminución también de intercambios epistolares - no existe otro Axel Carpelan - nos deja el panorama de una época con menos informaciones personales de lo habitual. Aunque este año no estará menos exento de sucesos que el anterior. Por de pronto el 14 de enero descubrimos en el diario que ya había acabado los tres primeros movimientos de la Sexta Sinfonía (no anotará nada más hasta cuatro meses después). Como ya comentamos, gran parte del material de la obra había sido concebido años atrás, incorporando ideas originalmente destinadas a proyectos como el de un segundo Concierto para violín o el poema sinfónico Kuutar, pero el trabajo en sí de la sinfonía fue bastante rápido, lo que denota un especial entusiasmo por la composición.  La Sexta Sinfonía en re menor opus 104 se estrenó finalmente el 19 de febrero, con la Orquesta Filarmónica de Helsinki bajo la batuta del compositor. El programa se inició con obras ligeras, recientemente escritas también, como Autrefois opus 96b, el Valse chevaleresque opus 96c, la Suite champêtre opus 98b, la Suite caractéristique opus 100, junto con una de las Scènes historiques II opus 66. Sin duda estas piezas poco se corresponden con la profundidad y elevación de la maravillosa sinfonía, pero posiblemente Sibelius pensaba que debían ser igualmente conocidas. Todas las entradas fueron vendidas, como también las de su reprogramación tres días más tarde. La sinfonía tuvo buen acogida, aunque su estilo era único sin duda su belleza caló muy hondo en los ánimos del público y la crítica. Evert Katila, en el Helsingin Sanomat realizó una buena síntesis: "más suave, de menor recorrido, más frágil en carácter. La Quinta es un imponente, exultante drama, la Sexta un puro idilio. La Sexta es también un poema en el marco de una sinfonía... el ánimo general es sereno, brillante como un luminoso día del final del verano finlandés". Otros críticos como Karl Ekman lamentaron la falta de dramatismo y grandes clímax. Es cierto pues que la sinfonía se ha planteado con un ánimo mucho más íntimo y lírico que su anterior trabajo en el género, y por sus sonoridades idílicas, con toques casi panteísticos, se le ha llamado en ocasiones la "sinfonía pastoral del Norte". Es además su sinfonía más decididamente modal - re dórico antes que re menor - y polifónica, lo que contribuye ciertamente a su menor tensión dramática, desde luego plenamente intencional. Contiene además numerosos temas "rúnicos", melodías de carácter netamente finlandés (aunque sin usar materiales folclóricos reales). Intimidada por sus grandiosas compañeras, la Quinta y la Séptima, la Sexta Sinfonía se revela sin embargo como una de las obras maestras de nuestro compositor a quienes la conocen, uno de sus trabajos más singulares y personales. Tras el estreno Jean Sibelius y su esposa Aino comenzarán un extenso recorrido por el extranjero, en el que unirán tanto una gira de conciertos como el viaje de placer, y que en ambos sentidos traerá buenos momentos en general.  La primera parada fue Estocolmo, un viaje largamente preparado entre otros por un viejo amigo, Werner Söderhjelm, desde la delegación finlandesa en Suecia y Stenhammar. Allí además de Armas Järnefelt dirigiendo la Ópera Real se encuentra otro compatriota, Schnéevoigt, dirigiendo la Orquesta de la Sociedad de Conciertos (actual Real Filarmónica).  El director cedió su batuta a nuestro compositor en dos ocasiones, el 1 y el 5 de marzo. En el primer concierto, con asistencia del príncipe de Suecia, dirigió algunos de sus trabajos con fama ya inamovible, como En saga, El cisne de Tuonela, la Segunda Sinfonía, mientras que en el segundo arriesgó con obras de los últimos años como Las Oceánidas o nada menos que la recién estrenada Sexta Sinfonía, además de otras poco frecuentes como Las novias del barquero de los rápidos opus 33 - cantada en alemán. Esta última balada con orquesta  contó como solista con el barítono John Forsell, de gran popularidad en su Suecia natal. De hecho relata Söderhjelm relataría cómo se le dispensó más atención que a la música de Sibelius.  El barítono sueco "John" Forsell  (1868-1941), maestro entre otros de Jussi Björling El 6 de marzo con la misma orquesta dirigió la Primera Sinfonía en el Salón de la Universidad de Uppsala, repitiendo programa al día siguiente de nuevo en Estocolmo.  Estos eventos le supusieron grandes éxitos: "la música de Sibelius" - escribía el Svenska Dagsblater - "tiene el poder de vivir a través de las edades y tanto en los buenos tiempos como en los malos dar consuelo y solaz a la humanidad". Incluso su enemigo Peterson-Berger fue menos ácido que habitualmente en sus críticas. El mismo diario publicó una extensa entrevista con el autor, en la que habló de su nueva sinfonía: "con cada nueva sinfonía [...] he ganado un nuevo seguidor pero al mismo tiempo perdido alguno de los antiguos. En cualquier caso no pienso sobre una sinfonía sólo como música con éste o aquel número de compases, sino más bien como una expresión de un credo espiritual, una fase en la propia vida interna." También hubo tiempo para lujosas soirées, como la organizada por el empresario Sven Palme (abuelo del presidente Olof Palme), en la que pudo coincidir con la princesa Ingeborg. El éxito de su visita hizo a Söderhjelm y a Schnéevoigt plantearse nuevos conciertos, que se efectuarían a su vuelta de Italia. También negoció ventajosos contratos con los editores locales. La siguiente parada en el viaje, antes de ir al sur de Europa, sería Berlín, donde el matrimonio visitaría a Adolf Paul. El 11 de marzo llegan a Italia, país que ya habían visitado conjuntamente en 1901, ocasión en la que había conocido la desgracia de la muerte de una de sus hijas y el nacimiento de su Segunda Sinfonía. Se hospedan en el centro de Roma, junto al Panteone. El diplomático y hombre de mundo Herman Gummerus - activista de la independencia finlandesa y miembro del movimiento Jäger - organizó su actividad musical, logrando que la Orquesta del Augusteo (actual Nacional de Santa Cecilia), dirigida por el compositor, interpretara el 18 de marzo un programa constituido en exclusiva por sus obras. Los Sibelius pudieron disfrutar de las recepciones que organizó con su familia, y con buenos contactos, consiguiendo hacer una gran publicidad del evento.  Herman Gummerus (1877-1948). Fotografía de 1914  Su alumno y biógrafo Berngt von Törne estaba viviendo en la capital italiana en esa época, y pudo encontrarse al compositor en el Augusteo, sentado en el pasillo, esperando a que le llegara su turno tras el ensayo del director titular, Bernardino Milonari. Törne relata cómo al tiempo se oían constantemente los cantos de los pájaros de los alrededores, pero lejos de molestarse, Sibelius estaba encantado de su natural contribución a la música. Su trabajo en Italia era muy poco conocido, a pesar de los valientes (y no del todo infructuosos) intentos de figuras como Arturo Toscanini por incluirlo en el repertorio. Por ello optó por no arriesgar e incluyó sus "clásicos": Finlandia, Pelléas et Mélisande, El cisne de Tuonela, El retorno al hogar de Lemminkäinen y la Segunda Sinfonía. No obstante la acogida fue tibia, algunos críticos incluso calificaron su música de remota e incomprensible... La propia Finlandia era escasamente conocida entre los italianos, y un artista de ese país les resultaba tremendamente ajeno. Quizá nuestro músico hubiera acertado llevando sus partituras más avanzadas, conectando con el público más vanguardista. Pero precisamente, en una entrevista en el periódico La Tribuna, se muestra poco predispuesto a este sector, al igual que su entrevistador, Alberto Gasco: "entre los jóvenes finlandeses hay un movimiento hacia el internacionalismo que encuentro desastroso. Debussy es el tentador [...]; he percibido una tendencia entre algunos jóvenes sinfonistas italianos - sin duda artistas de calidad - hacia la influencia extranjera, en particular a Ravel" (sin duda referido a Respighi y/o Malipiero). Es un momento de fuertes disputas estéticas en Italia entre sectores más conservadores y nacionalistas, y el sector "futurista" - alentadas por el clima político del fascismo gobernante -, y nuestro músico parece alienarse, aunque sea superficialmente, por los primeros. Gasco esperaba encontrar algún místico hechicero sacado de las sagas nórdicas, pero en su lugar encontró a "una buena persona, llana, ausente de toda pretensión, un caballero impecable de apariencia ligeramente militar". En la misma entrevista hay ideas mucho más sustanciales sobre su credo estético, en especial referidas a su "nacionalismo", en la que viene a explicar así mismo por qué el público mediterráneo le era (y es quizá) más ajeno: "mi música no es folclorística; yo nunca he usado motivos populares finlandeses para mis propios fines. He compuesto mucho en el estilo de la melodía popular, pero las notas mismas siempre han venido de mi propia imaginación, o mejor dicho, de mi corazón, en tanto soy un devoto finlandés. [...] Me he sumergido completamente dentro de la poesía y la mitología de Finlandia, y he puesto mucho de la primera y encontrado inspiración en la última, y en particular en el Kalevala, que es una inspiración infalible para todo artista  finlandés." Tras Roma los Sibelius pasan una semana en Capri, para regresar finalmente el 1 de abril al norte, a través de Berlín. En la capital alemana tienen intención de visitar a Busoni, pero el amigo de juventud de nuestro músico está demasiado enfermo y no puede recibirlos. Al día siguiente su mujer les telefonea, diciendo que su marido podía hacer un pequeño esfuerzo, pero nuestro compositor declina el encuentro. Sibelius lamentará con el tiempo mucho esta ocasión perdida, ya que el pianista italo-alemán moriría al año siguiente y el músico nórdico no tendría más oportunidades de volver a verlo. Finalmente el 5 abril llegan de nuevo a Suecia, esta vez con destino Gotemburgo, huéspedes de la cuñada de Wilhelm Stenhammar, Olga Bratt. En la ciudad sueca el genio nórdico dirigirá el 10 de abril un concierto con la Sociedad Orquestal en la que programará - no sin dificultades por enfermedad de gran parte de sus miembros - La hija de Pohjola y las sinfonías Quinta y Sexta. El éxito del concierto fue relativo, entre las dificultades de la orquesta y las del propio Sibelius en la dirección. Sin embargo fue celebrado efusivamente por una recepción posterior, organizada por Ture Rangström. Rangström era el nuevo director de la Sociedad que Stenhammar había abandonado recientemente, y que se convirtió en un buen amigo suyo. Nuestro autor consumió abundante vino, lo que dificultó su elocuencia en un discurso en el que pretendió alabar a su anfitrión. Al día siguiente nuestro músico repetiría con la misma orquesta pero con un programa distinto, Rakastava opus 14, Las oceánidas y la Segunda Sinfonía. El ensayo por la mañana fue fluido, por lo que los organizadores permitieron al músico relajarse y acudir por la tarde, antes del concierto, a un restaurante. Llegaron las ocho y Sibelius no apareció, algo raro en una persona normalmente muy cumplidora de los horarios. Se le fue a buscar entonces al restaurante, donde estaba comiendo ostras y bebiendo una cantidad inmoderada de champán, prolongando los excesos del día anterior. Se le consiguió subir el podio, y el compositor cogió la batuta en apariencia sin problemas.   Lo peor estaba por llegar: tras unos pocos compases, Sibelius interrumpió a los músicos y les encomió a empezar de nuevo. Al parecer... creyó que estaba todavía en un ensayo. Tras el nuevo comienzo la música sí pudo continuar hasta el final, sin nuevas sorpresas. Al terminar el concierto el compositor descubrió en su bolsillo una botella de whiskey, que furiosamente rompió, arrojándola a las escaleras de la sala. Estaba terriblemente avergonzado. Para el público el hecho pasó desapercibido, pero para él mismo supuso una gran vergüenza, aún más para su esposa Aino, que desde primera fila fue consciente de todo el bochornoso incidente, que tardaría mucho en olvidar. Antes de volver a casa, a finales de abril, el genio nórdico dirigió una vez más, en la ciudad carelia de Viipuri, que no había visitado desde antes de la proclamación de independencia de Finlandia (durante el periodo de entre guerras perteneció a la República, pero tras la derrota de la Segunda Guerra Mundial la ciudad pasó a manos soviéticas, siendo hasta el presente el Vyborg ruso). Para entonces era una toda celebridad, el compositor de "Karelia", y fue recibido por una entusiasta multitud y las autoridades en la estación de ferrocarril. El concierto, que había sido preparado por el director titular, Boris Sirpo, y que consistió en Canción de primavera, El festín de Belshazzar y la Segunda Sinfonía, fue también un suceso multitudinario, con todas las entradas vendidas y algunos asistentes extras en escaleras y vestíbulo, por lo que nuestro músico repitió el programa en un matinée. Finalmente el viaje concluyó en Helsinki, no sin dar oportunidad a otro evento, la celebración de los 60 años del escritor y editor Wenzel Hagelstam, amigo mutuo del músico y de Akseli Gallén-Kallela, con el que coincidió en los festejos. Sibelius volvía de esa gira además con dos importantes condecoraciones: la Orden de Vasa, desde Suecia y la de Comendador del Orden de la Corona de Italia. Medallas de la Orden de la Corona de Italia Pero antes que de honores que eran nada más que eso, honores, nuestro músico anda más preocupado por sus facturas. La hiperinflación monetaria alcanza niveles record en Alemania, donde se imprimen billetes de por valor de un millón, y donde se publica la mayor parte de su música, Breipkopf principalmente. En julio recibió 1280 marcos alemanes por los derechos del Valse triste, de exactamente 24.000 copias, lo que no suponía... ¡ni la décima parte de un marco finlandés (que equivalía a unos 30 céntimos de euro)! Decide entonces unirse Sociedad de Derechos de Autores Alemanes, la más importante del país germano, aunque ello no le traerá los beneficios suficientes. Durante el verano Wilhelm Kempff vista de nuevo Helsinki, acogido por Heikki Klemetti antes de pasar varios días como huésped de los Sibelius en Ainola. Para complacer a su anfitrión llega a tocar hasta en dos ocasiones diarias la Sonata "Hammerklavier" de Beethoven, que llevaría en los recitales de esa época y que causaba una honda emoción en el músico finlandés. Durante el verano y el otoño se concentra de nuevo en un gran proyecto... ¡y de nuevo en una sinfonía! Sin apenas dejar respirar tras el estreno de la Sexta (obra que le satisfizo personalmente y que fue buen acogida, como veíamos antes), se embarca en la composición de la Séptima. Ya hemos señalado  que nuestro músico llegó a trabajar en lo que serían sus Quinta, Sexta y Séptima sinfonías al tiempo, si bien el trabajo definitivo de esta última se concentró entre este año de 1923 y el invierno siguiente. Años antes había concebido la obra en tres movimientos, el último un "rondó helénico" - según participó a Axel Carpelan -, pero durante los viajes de principios de año debió tomar una decisión drástica respecto a su forma: un único movimiento, no una sinfonía de movimientos enlazados (como la Cuarta de Schumann), sino un único movimiento sinfónico con toda la fuerza de una sinfonía. Aunque es difícil reconstruir su historia a través de los esbozos parece que la obra final se basa principalmente el segundo tiempo planeado, con algunos elementos del Finale. A pesar del trabajo su ánimo era, como habitualmente, muy negativo: "la vida para mí ha acabado. Si estuviera de buen ánimo y tuviera un vaso o dos sufriría por ello mucho después" (3 de octubre). Al parecer le había hecho a Aino la promesa que le había hecho de no beber más que una copa al día. El 6 de noviembre recibe una buena noticia para su economía: una donación de 100.000 marcos, la nada despreciable cifra de 32.240 euros actuales, por parte de la Fundación Kordelin, "no sólo para la promoción de la música finlandesa y para llevarla a nuevas sendas, sino también para hacer conocer la cultura finlandesa a través del mundo civilizado". A lo largo de estos años, y en la misma medida en que la economía del país se ha estabilizado, serán varias y cuantiosas las aportaciones públicas y privadas, situación que sin duda contribuirá mucho al final de su tarea compositiva. Mientras, su amigo Adolf Paul sufre en Berlín las inclemencias de la hiperinflación, y parece ser que nuestro compositor le envió algo de dinero. Diversos compromisos lo apartaban en noviembre parcialmente de su trabajo en la sinfonía: los 60 cumpleaños tanto de su hermana Linda ("mis nervios están en un estado...") como de su cuñado Eero Järnefelt ("una ocasión conmovedora por una noble persona"). Al tiempo concreta el concierto de estreno de la Séptima para el siguiente 24 de marzo, en Suecia, compromiso que causó el absoluto nerviosismo de Aino: su marido no cumplía su promesa sobre el alcohol, lo que según su experiencia dificultaba su labor. La tensión en el matrimonio llegaba al máximo: "gradual reacción a la terrible atmósfera y esfuerzo aquí. Como si uno estuviera en estado salvaje. Miseria, depresión y penumbra. Y es en esta atmósfera en la que estoy tratando de componer. Pero simplemente tendré que resistir". Sorprende ciertamente que una sinfonía con pasajes "olímpicos" y luminosos como la Séptima haya sido creada en medio de esas duras luchas matrimoniales. También se produce la visita de su amigo Wilhelm Stenhammar, que tocó su propio Concierto para piano nº2 bajo la dirección de Kajanus el 22 de noviembre. Precisamente aprovechando la visita ofreció al músico sueco ser el destinario de la dedicatoria de la publicación de la Sexta sinfonía, aunque por una la página correspondiente de la dedicatoria se perdió durante la edición en Hansen, por lo que no apareció en la primera publicación. Sibelius se encuentra en estos años en su cima creativa, y ya no es célebre sólo en su propio país, sino que se encuentra entre los más laureados compositores de Inglaterra, Estados Unidos, Suecia... Y sin embargo sus circunstancias íntimas parecen no corresponderse con ese buen momento profesional. Tarde o temprano esos dos mundos, el exterior y el interior, acabarán chocando... __________________ Capítulo siguiente (42) [próximamente] 



Ópera Perú

22 de septiembre

Entrevista: Fernando Valcárcel y un futuro ambicioso para la OSN

Foto: Ministerio de CulturaPor Gonzalo Tello (Ópera Perú)Fernando Valcárcel, actual director de la Orquesta Sinfónica Nacional del Perú (OSN) y el cual Ópera Perú eligió como el artista peruano mas destacado del 2013, conversó conmigo sobre el estado de la orquesta, los objetivos logrados hasta ahora y lo que está por venir.Hablamos de lo que será la próxima temporada de primavera que se inicia este viernes 26 de setiembre en su sede del Gran Teatro Nacional, con la Sinfonía no. 3 de Gustav Mahler, obra muy ambiciosa. También hablamos de los grandes solistas y directores que llegarán el 2015, y las obras que estos interpretarán.Lo mas destacado, de seguro,  para lo que se viene de aquí a fin de año, es la llegada del quizá mas grande compositor de los últimos tiempos, el polaco Krzysztof Penderecki, para dar un concierto con sus obras, dirigiendo al Coro Nacional y a la OSN el 24 de octubre, en una fecha histórica para nuestro país.Los solistas y directores, así como los programas que ha tenido y tendrá la OSN, son muy ambiciosos. El nivel de la orquesta ha crecido con creces como nunca antes en las últimas décadas y es una responsabilidad del Ministerio de Cultura asegurar ese crecimiento y trabajo sostenido. Puede escuchar la entrevista aquí, o leerla a continuación. Entrevista: Fernando Valcárcel, director de la OSN by Gonzalo Tello on Mixcloud ENTREVISTAPara empezar y ponernos en contexto, ¿Cuáles son las funciones de un director titular de orquesta?Son amplias. La más evidente es estar presente en los ensayos y dirigir. En una temporada anual hay varias fechas y no puedo dirigirlas todas, sería muy ambicioso y le quitaría interés a la programación. Para el músico es importante ver otras manos y experiencias, por eso se invita otros directores. Una de las funciones principales es ver quiénes son esos directores y solistas invitados y contactarlos. Tener amplio conocimiento del medio, los contactos y la llegada que se pueda tener, y la confianza que se le pueda dar a esos invitados. Tenemos ya un espacio importante como el Gran Teatro Nacional para recibir a directores y solistas grandes.En la selección de repertorio, ¿También se le da la lección al director invitado, o se programa de antemano?Si tengo un plan previo. La orquesta tiene que ver otros tipos de obras, más cercanas al siglo XX y ampliar su repertorio. Trato de elegir algunas obras y se las sugiero a los directores o solistas. Si el solista invitado es un gran intérprete en algún compositor en particular, cambio la propuesta por la obra en la que se luzca, pero trato de que se adecúen a las obras que quiero que el público limeño escuche. También hay que hacer mucha función administrativa y burocrática, cuidar que se optimice la orquesta. Yo siento que aún falta completar plantilla, sobre todo en las cuerdas. Hay que constantemente ir adelantándose en lo que se puede y tratar de ampliar la orquesta.¿Qué ha sido lo más resaltante de la programación del 2014?Particularmente el homenaje que le estamos haciendo a Celso Garrido-Lecca. Para mi es algo emotivo homenajear, sobre todo, a alguien que está vivo y de su categoría. Creo que es lo más importante dar una mirada a su música. Hemos elegido obras de varios períodos suyos, con solistas íntimamente ligados a su trayectoria, tanto el cellista Prieto como el guitarrista Orlandini, que han sido músicos que han estrenado sus obras. Quería que el público limeño tuviera un acercamiento a un compositor en particular y es una idea que quiero proseguir en el futuro. El próximo año quiero centrarme en Theodoro Valcárcel, dar una visión de su música orquestal que nunca se ha tocado.Y así como hay homenajes o retrospectivas a ciertos compositores, ¿se ha pensado hacer algún festival con algún compositor?Si me gustaría. De hecho durante mi primer año como director hice un festival de música peruana, en el que hicimos 3 conciertos generacionales, “La generación del 20, del 50 y las nuevas generaciones”, y fue la primera experiencia que tuve en esto. He pensado incluso hacer Beethoven, que para un director es muy importante, porque es una de las cumbres de la música occidental, e implica un reto desde el punto de vista de la dirección.Incluso lo han empezado ya con las sinfonías de Mahler…Exacto. De hecho empezamos el año pasado y lo proseguimos. Esta rondando la idea de hacer la Octava sinfonía pero es difícil. Empezar con Beethoven es una idea. Casualmente este año he sacado a este compositor de la programación, debe ser la primera vez que se haya hecho.Quizá no es que estábamos cansados de él, pero era muy recurrente…Yo también lo sentía así. Adoro a Beethoven y en algún momento espero poder hacer el ciclo completo de sinfonías que sería provechoso para la orquesta y público. Con Mahler lo mismo, si se puede al menos con ocho de las nueve. También festivales de música contemporánea, dedicarle tal vez una semana o dos y hacer hincapié en esta.¿De parte del Ministerio de Cultura hay buena voluntad para las ideas ambiciosas?En ese aspecto he tenido amplia libertad, todo lo que he propuesto se ha cumplido. He tenido el mejor grupo y las mejores circunstancias. Se nota en el tipo de programación, de escucha difícil, que hemos llevado. El Ministerio de Cultura consideró que era necesario hacer. Quiero seguir ahondando en el repertorio peruano y contemporáneo.Si bien es cierto el GTN tiene amplio espacio y el precio de las entradas es accesible, también la Sinfónica tiene buena cantidad de público. Me llamó mucho la atención que en conciertos difíciles, como el reciente de Ligeti y Strauss, haya estado casi lleno. ¿Cuál es la respuesta del público ante esta programación?La percepción, por lo que hablo con la gente estando en todos los conciertos, además de las redes sociales, es que estas propuestas son bienvenidas. Tengo la sensación, muy real, que el público ha aceptado estas propuestas de ver otros estilos y apostar por lo nuevo. Está ávido de esto y esto ha coincidido al cambiar los conciertos de los domingos a los viernes, llegando a otro público, que es nuevo y más joven en su mayoría.  Es un público con menos prejuicios y conocimiento, por lo mismo ha aceptado estas nuevas propuestas con mayor naturalidad. La idea también es balancear repertorio, y como director me toca que hayan propuestas diversas para que haya más interés y no sature la percepción de la música. Incluso con los músicos, al principio de mi gestión les costaba hacer música nueva o peruana. Debo decir con mucho orgullo que la actitud del músico ha cambiado y eso se nota con la seriedad en que afronta estas obras nuevas y por el resultado. Me ayuda mucho traer a directores de valor que nos están llenando de experiencias y enriqueciendo nuestro sentido de la música. Creo que también es una cuestión de mayor exposición. Cuando se está más expuesto lo asume, y a nuestros músicos se les está haciendo costumbre escuchar sonoridades nuevas, y eso es bueno. Así no guste la obra, nadie dice que eso no enriquece a su técnica.Incluso hay una mayor exigencia y mayor exposición. Antes se veía más rutinario, ahora si se toca mal o hay algún problema, la gente se da cuenta, lo comenta en redes. ¿Por eso lado esa presión también ayuda, no?Y también como alguna vez lo mencionaste, los conciertos eran semanales y más seguidos, ahora son más espaciados y cada concierto es especial, y el músico lo siente así. Nos estamos cuidando de todo, del estudio, de cómo nos presentamos en el escenario. Me parece que eso ha cambiado favorablemente.Entonces esta temporada ha sido interesante y variada, con diversos compositores  y estrenos. Lo que se viene en primavera es un peso pesado en repertorio. ¿Cómo se pensó esta próxima temporada? ¿Se fueron dejando juntas estas obras, ya que todas son complejas y exigentes?Es como en los equipos de fútbol, se tiene una pretemporada para ir calentando y al final se llega fuerte. En una orquesta es igual, incluso físicamente. Creo que la última temporada del año tiene que tener el mayor peso y atractivo. Así que hay grandes obras, sobretodo estrenos. Hemos ya hecho Ligeti y la “Alpina” de Strauss, que es un programa muy exigente. Se viene ahora la Tercera de Mahler con Fabio Mechetti, este excelente director brasileño a quien considero como uno de los grandes actuales. Después viene Krzysztof Penderecki, quien es la visita más ilustre del año. Va a dirigir sus propias obras, como su famoso “Treno para las víctimas de Hiroshima”, lo cual es algo muy especial pues es de las obras más importantes del siglo XX. Después hacemos la Novena de Mahler, “La valse” de ravel y el “Preludio a la siesta de un fauno” de Debussy, que son obras muy complicadas. Son varios conciertos seguidos de máximo nivel, atractivo y reto.¿Cómo llegó a concretarse la venida de Penderecki, que fuera de la temporada es uno de los eventos del año, quizá el más grande compositor de la segunda mitad del siglo XX, lo cual es un hito para nuestro país?Para responderte, una de las cosas que quiero hacer en un futuro, es traer a directores compositores. Es interesante que alguien que dirija sus propias obras pueda darnos los datos más fieles a la obra. ¿Cómo llegamos a Penderecki?  Yo siempre lo tuve en mente porque soy un admirador de su música. El año pasado hicimos el concierto para viola, y dentro de esta idea que tenía de traer compositores, aparecieron dos nombres, uno era Penderecki, porque era un compositor y director en actividad. El solista que vino para el concierto para viola me habló de él y establecimos el contacto. Le escribí directamente a través de su representante, y gracias a Dios el aceptó.Esta visita es una carta blanca para él, es decir, él ha escoge el programa…Si, y yo me voy a adecuar un poco, en todo caso sugiriendo. Yo sabía de su trabajo en México y Venezuela y su interés por salir, ya que tiene una visión amplia del mundo y un interés especial por Latinoamérica. Por eso supe que al llegar a él la respuesta sería positiva. Tenemos la suerte de que le vamos a hacer una distinción de Doctor Honoris Causa en la PUCP, porque una visita de esta naturaleza no puede pasar desapercibida. Vamos a hacer una conferencia de prensa, una distinción académica y conversatorio con el público. También me he contactado con George Benjamin, este famoso compositor inglés, uno de los últimos alumnos distinguidos de Messiaen. Él me ha dicho que está muy interesado en venir, todavía en un par de años, porque ahora está escribiendo una ópera.En algún momento yo pensaba que ya nos visitan grandes solistas, pero aún faltan los grandes directores, las estrellas del momento. Y eso debido a que no contábamos con una orquesta a la altura de estos. ¿Ya podemos pensar en traerlos, pensando que tenemos orquestas a la altura?En el caso de los directores hay algo muy curioso: Primero, que no son muchos, como en el caso del piano que ves muchos que son maravillosos. En el caso de los directores, siento que es algo más selecto, los grandes nombres y genios son pocos, es una percepción personal. También es una cuestión logística, ya que es más caro traer un director que un solista. Ahorita en cuanto a realidad económica, los veo alejados. En el caso de ellos me he contactado con algunos grandes, y es una buena idea traer a los jóvenes que serán las futuras estrellas, como Case Scaglione por ejemplo. El próximo año estoy trayendo a Yu Lu, jovencísimo, de 22 años, que creo que será sin ninguna duda de los grandes. También a Julian Kuerti, ambos serán los Mehta o Barenboim del mañana. Poco a poco traeremos a grandes nombres. Es cierto lo que dices de la orquesta, es el instrumento, por eso vamos paso a paso. Por ejemplo, tengo otros proyectos importantes desde que llegué, que es el de hacer una grabación. Siento que ya la OSN debería tenerla, pero creo que todavía no estamos listos, pero lo haremos.Y con alguna obra peruana asumo…Es lo más lógico, es lo que falta sin lugar a dudas.Entonces, ¿qué podemos decir que viene el próximo año?Yo tengo algunos nombres confirmados, ya que estamos avanzados al 95%. Tenemos nombres ilustres como por ejemplo Nelson Freire, que viene a hacer el último concierto del año, en diciembre. El tocará el concierto no. 4 de Beethoven, que a los pocos meses va a grabar para  el sello Decca con la London Symphony. También viene Alessio Bax, este excelente pianista que vino la última vez con Joshua Bell. El hará la “Rapsodia sobre un tema de Paganini” de Rachmaninov, que es muy difícil de hacer. También vuelve Joaquín Achúcarro, este mítico pianista español, de la que vi una entrevista que le hiciste tú hace unos años. Viene a hacer “Una Noche en los jardines de España” de De Falla. Él tiene toda la disposición del mundo, quiere hacer también la “Rapsodia española” de Albéniz, y está ansioso de hacer la mayor cantidad de cosas. También viene en setiembre Joann Falletta, una gran directora americana y muy famosa, tanto como Marin Alsop, son las dos mujeres directoras más importantes. Tenemos algunos solistas que regresan, como Wendy Warner, que hizo Lutoslawski el año pasado, y vuelve a hacer Dvořák con Falletta. También vuelve Leticia Moreno, la violinista que hizo Mendelssohn. Además, el excelente violinista y director Julian Rachlin, al que vi el otro día en un video dirigido por Zubin Mehta. Un estupendo artista. También vuelve Schlomo Mintz, esta vez como director, con la posibilidad de que toque alguna obra. Nos va a ayudar mucho pues tiene la disposición de hacer un taller con las cuerdas, y creo que eso va a ser muy positivo, de lo más importante que se va a hacer con la orquesta el próximo año.En cuestión de obras. ¿Qué se viene?De Theodoro Valcárcel vamos a estrenar obras y reestrenar otras que se hicieron en los años 20 y nunca más. Lo más importante dentro de su producción es las “Estampas” de “Suray Surita”, un ballet que dejó inconcluso, pero completó en piano, sobretodo algunas danzas. Esas danzas están pensadas para orquesta. Algunas las orquestó Rodolfo Holzmann, y otras yo mismo. Entonces vamos a completar esa obra, que creo es una de las obras más importantes de la música peruana del siglo XX. Hace dos años se grabó su “Concierto Indio” para violín y orquesta, disco que incluyó otra obras y fue nominado al Grammy Latino, con gran repercusión. La violinista que hizo esta grabación, Nora Chastain, va a venir para hacerlo aquí.También vendrán obras contemporáneas. Hay una obra que me encanta, de Luciano Berio, “Formazioni”, es una obra de los 80s que me gustaría hacer. También con Joann Falletta vamos a hacer las “Variaciones Enigma” de Elgar. Le he propuesto a Leticia Moreno hacer el concierto para violín de Alban Berg. Proseguir con las sinfonías de Mahler y acabarlas. Faltarían la 4, 5 y la 6. Tengo algunos sueños, como hacer la “Sinfonía Turangalila” de Messiaen, pero siento que todavía puede esperar. Tal vez el siguiente año. El próximo año hay varios aniversarios, por ejemplo el de Scriabin, así que vamos a hacer su “Poema del éxtasis”. También el de Edgar Varese, así que vamos a hacer “Tuning up”, que es una obra que se completó recientemente, y posiblemente “arcana”, ya depende de algunas cuestiones. Pierre Boulez cumple 90 años, y es difícil hacer sus obras. Sin embargo hay una que podríamos hacer, que se llama “Dérive I”, es para conjunto de cámara, no sería mala idea hacerlo. Sibelius está de aniversario, así que haremos sus sinfonías no. 5 y 6. En cuestión de artistas, estos ya están confirmados. Aún estamos viendo cuestiones de repertorio, pero las obras mencionadas ya están fijas.¿Y de los clásicos?De los clásicos, hacemos Elgar…Que es una novedad, pues no es tan común en nuestro medio…Exacto, no se toca tanto. David del Pino va a hacer “Los Pinos de Roma” de Respighi. El próximo año se celebran los 50 años del Coro Nacional, así que haremos cosas especiales. Extraoficialmente creo que el maestro Súnico va a dirigir la “Misa Lord Nelson” de Haydn, y algunas obras como “Chichester Psalms” de Bernstein. Eso con la Sinfónica. También vamos a traer a Daniel Binelli, un bandoneonista y compositor, quizá el más famoso, que ha tocado en el grupo de Piazzolla. Así que haremos una obra suya y otra de Piazzolla. También vendrá un guitarrista español que está haciendo furor, se llama Pablo Sáinz Villegas, es uno de los jóvenes más prominentes. No hemos confirmado la obra, pero podría ser el concierto de Rodrigo. David del Pino también hará la séptima de Beethoven. Son cosas que haremos aquí y allá. Por el momento es lo que te puedo decir. Además de proyectos con la ópera y el ballet, que ya hemos venido haciendo.Además están por hacer “La Bella Durmiente” con el Ballet Nacional…Justo en unos minutos me reúno con el coreógrafo para definir los cortes, pero será el Ballet completo.Eso es un punto interesante ya que tenemos la costumbre de ver el ballet con grabaciones y no orquesta…Tanto para el músico como para los bailarines es importante hacer música en vivo. Y es de los mayores retos para un director, ya que es muy difícil acompañar. Yo estoy aprendiendo con varias experiencias desde que estoy acá, he aprendido a pensar en las necesidades del bailarín. Este título es uno de los más exigentes orquestalmente, tiene mucha imaginación y es grande. Hasta fin de año no vamos a parar. Para el próximo año te he adelantado nombres ilustres que harán de esta una programación muy buena, trayendo algunos directores que serán las estrellas del mañana, y va a ser creo que un paso más hacia la excelencia que estamos tratando de conseguir.Para terminar, ¿cuál sería la invitación que se le hace a ese público que todavía no ha venido al teatro a ver estos espectáculos? Gente que no se anima o que no es tan exigente, ¿cuál sería la motivación que debería recibir?.Al público en general le diría que vengan, que pierdan los miedos y prejuicios. El teatro de por si es una atracción y que no la limiten a ella. El Ministerio de Cultura tiene una amplia variedad de espectáculos, que vengan, ya que los precios no son un problema……Y es una ventaja, porque traer artistas de este nivel siempre representa un costo muy alto por las altas cuotas, y en este caso es muy accesible, lo cual es genial……Y eso es algo que todavía la gente no sabe. Deben saber que los precios son asequibles. Somos una entidad estatal y tenemos subvención. Hacemos un gran esfuerzo para traer grandes nombres a precios cómodos. Que pierdan el miedo y no lo vean distante, que tengan la seguridad que van a encontrar un espectáculo que no se encuentra en Lima fácilmente. Hay espectáculos maravillosos que presentan otras instituciones privadas, pero creo que nosotros les estamos dando otras propuestas, como repertorios nuevos y compositores cuyas obras han sido descuidadas, estamos haciendo un balance en la oferta del medio. Quisiera que el público sepa eso y nos visite, porque creo que estamos haciendo espectáculos de calidad, y solo tengo palabras esperanzadoras para los próximos años. Sé que esto va a ir “in crescendo”, para usar un término musical.------------Temporada Internacional de Primavera 2014Orquesta Sinfónica Nacional26 de septiembre, 8:00 p.m.3 y 24 de octubre, 8:00 p.m.21 de noviembre, 8:00 p.m.10 de diciembre, 8:00 p.m. La Orquesta Sinfónica Nacional ofrecerá cinco conciertos como parte de su Temporada Internacional de Primavera 2014 con la presencia de importantes artistas nacionales y extranjeros. TEMPORADA DE PRIMAVERA Viernes 26 de septiembre  Fabio Mechetti, director (Brasil) Josefina Brivio, mezzosoprano (Perú) Coro Nacional (Javier Súnico, director) Coro Nacional de Niños (Mónica Canales, directora) Sinfonía n° 3 (Mahler) Viernes 3 de octubre  Ramón Tebar, director (España) Jesús Castro-Balbi, chelo (Perú-Francia) Pacific 231 (Honegger)Concierto para chelo “El Señor de los Aires”, (Jimmy López) ESTRENO EN PERÚ Sinfonía n° 2 (Sibelius) Viernes 24 de octubre Krzysztof Penderecki, director (Polonia) Coro Nacional  (Javier Súnico, director) Treno a las víctimas de Hiroshima (Penderecki) Adagio, para cuerdas, de la Sinfonía n° 3 (Penderecki)  ESTRENO EN PERÚ Agnus Dei, para coro (Penderecki)  ESTRENO EN PERÚ Sinfonía n° 4 (Mendelssohn) Viernes 21 de noviembre  Fernando Valcárcel, director (Perú) Luis Orlandini, guitarra (Chile) Concierto para guitarra (Celso Garrido-Lecca)Sinfonía n° 9 (G. Mahler) ESTRENO EN PERÚ Miércoles 10 de diciembre Fernando Valcárcel, director (Perú) Lilya Zilberstein, piano (Rusia) Obertura Candide (Bernstein)Concierto para piano n° 2 (Rachmaninov) Preludio a la siesta de un fauno (Debussy) La valse (Ravel) * Programas sujetos a cambios------Sobre Fernando ValcárcelActual director titular de la Orquesta Sinfónica Nacional del Perú (OSN) el compositor, director y pianista peruano Fernando Valcárcel es una de las principales figuras musicales emergentes en los últimos años en su país. Su presencia al frente de la OSN la ha convertido en una orquesta versátil y con proyección, aportándole dinamismo y enriqueciendo su programación al impulsar la ejecución de obras de compositores peruanos contemporáneos, incluyendo varios estrenos mundiales y obras del repertorio universal del siglo XX.  En dos años de gestión al frente de la orquesta, ha propiciado el estreno absoluto de trece obras e incluido cuarenta y ocho piezas de compositores peruanos.El maestro Valcárcel ha dirigido las principales orquestas profesionales de su país, tales como la Orquesta Sinfónica de Trujillo, la Orquesta Sinfónica de Piura, la Orquesta Sinfónica de Arequipa y la Orquesta “Ciudad de los Reyes”.  Del mismo modo ha recibido invitaciones de varias orquestas latinoamericanas como la Orquesta Sinfónica de Yucatán, México; la Orquesta del Teatro Regional del Maule, Chile; la Orquesta Sinfónica de Guayaquil; la Orquesta Filarmónica de Quito; y la Orquesta Sinfónica de El Salvador, entre otras.En 2013 el maestro Valcárcel dirigió varios estrenos en el Perú, entre ellos la Segunda Sinfonía de Gustav Mahler y el Concierto para chelo de Witold Lutoslawski. Asimismo dirigió la "Consagración de la Primavera" de Igor Stravinsky en conmemoración de los cien años de su estreno. Ha participado en varias temporadas de ballet con el Ballet Nacional del Perú tales como "Huatyacuri" con música de Alejandro Núñez Allauca y "La Agonía de Rasuñiti", con música de Nilo Velarde, ambas coreografiadas por Jimmy Gamonet; "El Amor Brujo", de Manuel de Falla; y la Ópera – Ballet "Akas Kas, La Promesa del Guerrero", de Nilo Velarde con coreografía de Héctor Sanzana, con la cual se inauguró, en 2012, el Gran Teatro Nacional (GTN), actual principal escenario peruano. Ha sido director titular de la Junior Youth Orchestra de Fort Worth, Texas, Estados Unidos; la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil del Instituto Nacional de Cultura del Perú (actualmente Ministerio de Cultura); y la Orquesta del Conservatorio Nacional de Música de Lima.Fuente: Filarmonia.org

Claude Debussy
(1862 – 1918)

Claude Debussy (22 de agosto de 1862 - 25 de marzo de 1918) fue un compositor francés. Junto con Maurice Ravel , fue una de las figuras más prominentes que trabajaron en el campo de la música impresionista , aunque a él mismo no le gustaba este término cuando se aplicaba a sus composiciones. Debussy es uno de los más importantes compositores franceses, y una figura central en la música europea de finales del siglo XIX y comienzos del siglo XX. Fue nombrado Caballero de la Legión de Honor en 1903. Su música se caracteriza por su componente sensorial y por cómo se distancia de la tonalidad. A menudo el trabajo de Debussy refleja las actividades o las turbulencias en su propia vida. Su música define prácticamente la transición de finales de la música romántica hasta el 20 de siglo de música modernista. En los círculos literarios franceses, el estilo de este periodo fue conocido como el simbolismo , un movimiento del que se inspira directamente Debussy, tanto como compositor, como participante activo cultural.



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