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Música Clásica y ópera de Classissima

Claude Debussy

jueves 17 de abril de 2014


Ya nos queda un día menos

22 de marzo

Gaspard de la nuit, una obra maestra

Ya nos queda un día menosComo pronto voy a hablar sobre un par de sensacionales recreaciones de Garpard de la Nuit, traigo aquí un extracto de las notas al programa que escribí para un recital que ofreció Joaquín Achúcarro en el Teatro Villamarta en mayo de 2001. La interpretación de esta obra genial a cargo del pianista bilbaíno me pareció extraordinaria. ___________________________________ A pesar de su fama, todavía está por apreciar de manera definitiva la obra de Maurice Ravel (1875-1918). Quizá, como señala Achúcarro, el problema resida en que se la ha valorado desde una óptica corta de miras: “se le etiquetó ante todo como inventor de colores sonoros, orquestales y pianísticos, pero, ¡es tan grande lo que hay por debajo de eso!”. Quizá sea Gaspard de la nuit su obra maestra para el piano. Se trata de un tríptico programático inspirado en tres poemas del poco conocido poeta romántico francés Aloysius Bertrand (1807-1841), que hemos incluido en una de las solapas de este programa; de ahí que nos extendamos en el argumento (el canto de una ninfa acuática en la primera de las piezas, el macabro balanceo de un ahorcado en la segunda, con el insistente tañido de una campana al fondo, y las andanzas de un maléfico duende en la tercera). Estilísticamente este tríptico resulta ambivalente e inclasificable. Por un lado, se aleja de la tradición de Liszt al tiempo que le rinde homenaje. Por otro, está en deuda con las innovaciones de Debussy pero propone una vía paralela. Igualmente, responde a la estética habitual en Ravel pero se aleja de ella al incluir una dosis de dramatismo, negrura y hasta morbo que no encontramos en sus más célebres creaciones. Dificultad extrema entraña la ejecución de estas piezas, sobre todo la tercera, Scarbo, considerada como una de las páginas más difíciles de toda la literatura pianística. Esto no era ningún problema para quien estrenó la obra en 1909, el pianista catalán Ricardo Viñes. Amigo íntimo de Ravel desde su adolescencia, ambos compartieron andanzas homoeróticas en el liberal París de la época, pero también una extraordinaria pasión por la música y la poesía. Su vivencia conjunta de ambas artes derivó en intensas colaboraciones en las que se gestaron obras de asombrosa hermosura. Entre ellas, la que tenemos la oportunidad de disfrutar en las manos de Joaquín Achúcarro, quien la ha convertido en uno de sus caballos de batalla: tras más de cincuenta años desentrañando sus secretos, su reciente versión discográfica está despertando la admiración de toda la crítica. Así, lo que escuchamos esta noche pertenece, como las criaturas que pueblan Gaspard, al reino de la fábula.   GASPARD DE LA NUIT POEMAS DE ALOYSUS BERTRAND 1. Ondina “¡Óyeme! ¡Óyeme! Soy yo, soy la Ondina, que acaricia con estas gotas de agua los sonoros rombos de cristal de tu ventana, iluminada por los taciturnos rayos de la luna; y aquí está, con su vestido de moaré, la señora del castillo, que contempla desde su balcón la hermosa noche estrellada y el hermoso lago dormido. Cada ola es una ondina que nada en la corriente, cada corriente es un sendero que serpentea camino de mi palacio, y mi palacio es una construcción fluida, al fondo del lago, en el triángulo del fuego, de la tierra y del aire. ¡Óyeme! ¡Óyeme! Mi padre mueve el agua que croa con una rama de aliso verde, y mis hermanas acarician con sus brazos de espuma las frescas islas de hierbas, de nenúfares y de gladiolos, o se burlan del sauce caduco y barbudo que pesca con caña.” Una vez murmurado su canto, me suplicó que me pusiera su anillo en el dedo para convertirme en el esposo de una Ondina, y visitar con ella su palacio, para ser el rey de los lagos. Y al responderle yo que amaba a una mortal, enfadada y llena de despecho, derramó unas cuantas lágrimas, soltó una carcajada y se desvaneció en forma de aguaceros que resbalaron, blancos, por mis vidrieras azules.   2. El patíbulo ¡Ay! Lo que estoy oyendo, ¿no será el cierzo nocturno que chilla destempladamente, o acaso será el ahorcado, que suspira en la horca patibularia? ¿Será algún grillo que canta, agazapado entre el musgo y la hiedra, con los que se adorna la madera por compasión? ¿Será alguna mosca que va de caza tocando la trompeta alrededor de esos oídos sordos a la fanfarria de los gritos de acoso? ¿Será algún escarabajo que, con su vuelo desigual, arranca un pelo sangriento de su cráneo pelado? ¿O tal vez sea una araña, que borda media ana de muselina para hacerle una corbata a su cuello estrangulado? Es la campana que tañe allá por el horizonte, entre los muros de una ciudad, y el esqueleto de un ahorcado al que enrojece el sol poniente.   3. Scarbo ¡Oh! ¡Cuántas veces pude oír y ver a Scarbo, cuando a la medianoche brilla la luna en el cielo como un escudo de plata sobre una bandera azul, sembrada de abejas de oro! ¡Cuántas veces oí zumbar su risa entre las sombras de mi alcoba, y el chirrido de sus uñas sobre la seda de las cortinas de mi cama! ¡Cuántas veces lo vi bajar del entarimado, dar una voltereta sobre un pie y echarse a rodar por la estancia, como el huso que cae de la rueca de una bruja! ¿Pensé yo entonces que se había desvanecido? El enano crecía entre la luna y yo, como el campanario de una catedral gótica, ¡con un cascabel de oro tintineando en su gorro puntiagudo! Mas pronto su cuerpo se tornaba azul, diáfano, como la cera; su rostro perdía el color igual que el cabo de una vela y, de súbito, se apagaba.

Pablo, la música en Siana

22 de marzo

Fresco musical de sensaciones

Viernes 21 de marzo, 20:00 horas. Auditorio de Oviedo, "Diaghilev y los Ballets Rusos II", abono nº 9 OSPA, Coro "El León de Oro" (director: Marco A. García de Paz), Rossen Milanov (director). Obras de Debussy y Ravel. Velada pictórica y danzante desde la conferencia previa de María Sanhuesa (también suyas las notas al programa enlazadas en el inicio) titulada "Los colores del sonido: Debussy, Ravel los Ballets Russes", contando nuevamente con Milanov al frente, lo que se agradece por esa continuidad tan necesaria para alcanzar el mayor entendimiento. La música de ballet parece ser especialidad de nuestra formación que incluso ha llevado al disco (el último ya con el director búlgaro) aunque tengamos que cerrar los ojos para imaginarnos la escena y cuerpo de baile, precisamente en una ciudad que también tiene su Festival de Danza en el Teatro Campoamor. También domina la orquesta asturiana la música francesa, supongo que más allá de la cercanía geográfica la anímica, pero sobre todo las partituras de los grandes orquestadores, y los de esta tarde de danza lo son, dando lo mejor de ellos, creciéndose en la inmensidad sinfónica. Para ahondar en la grandeza de las dos obras programadas se contaba con la mejor formación coral del momento, y de casa, el LDO que también está preparando su concurso de Londres y antes la Pasión Según San Juan, estando el espíritu bachiano presente el día de su aniversario al sonar la "Badinerie" en un teléfono femenino (por lo que tardó en encontrarlo y apagarlo), que mejor ni comentaré aunque parase el concierto en el momento más "inoportuno" de Ravel...  Foto©OSPA.comNocturnos (Debussy), tríptico sinfónico parece que inspirado en el pintor Whistler, en cierto modo para no seguir etiquetando como impresionista la música de Don Claudio aunque siempre existen paralelismos y referencias coloristas, sentido más decorativo que descriptivo pese a las luces especiales que parecen iluminar cada número. La plantilla ampliada para la obra, sobremanera en el viento madera, percusión, otro arpa, no lo fue en la cuerda aunque les exija aún más trabajo, pero el buscado ambiente etéreo se consiguió desde las primeras "Nubes", casi de anuncio por lo bien perfiladas y contrastadas hasta el gris, sin necesidad de utilizar pinceles finos. Como confesión que comparto con la doctora Sanhuesa, "Fiestas" es mi número preferido, puede que por la explosión de color sinfónico, la alegría desbordante, el ritmo danzante, los fuegos artificiales, el cortejo o mi pasión noctámbula, estando de acuerdo con el cambio de título del propio Debussy que en principio llamó "Tres escenas en el crepúsculo", curiosamente tocadas dos por no incorporarse siempre el coro femenino de "Sirenas". Si hace algo más de un año las voces blancas del LDO ya interpretaban esta obra con la OvFi, dejándome enamorado por las "vocalizaciones dificilísimas con polirritmias perfectas, mar dorado más que plateado para dejar flotando en el ambiente una espiritualidad preparatoria de la segunda parte", la madurez global se hizo notar todavía más, auténtico tratamiento instrumental de Debussy que "las chicas de oro" han vuelto a elevar a cotas muy altas (tres mezzos más que las sopranos en perfecto equilibrio de planos) con la complicidad de un Milanov dominador de este nocturno cual marino experto. Las "sirenas de Peñas" no nos hicieron naufragar y en vez de tapar los oídos los abrimos aún más para disfrutar de este hechizo sonoro con ese tema de la coda final que sonó celestial con Juan Pedro Romero "acallando las voces del mar" para fundirlo todo y alcanzar el silencio nocturno hoy con luna llena menguando. Dafne y Cloe (Ravel) me daría para fabular con más enamoramientos de todos y entre todos, el coro al completo y la orquesta ampliada, el bosque sagrado del auditorio donde aparecen piratas tecnológicos casi fantasmales intentando raptar la pureza sonora y la ayuda siempre del dios Pan musical que alimenta nuestro espíritu y aplaca odios. Se nota la planificación previa para este ballet cuya música pudimos disfrutar completa (no en suite) como la concibió el propio Maurice, totalmente ajustada en efectivos e intenciones aunque reconozcamos la dificultad de ubicar semejante plantilla en un teatro y los bailarines en escena. El encanto de la danza sin que la música pierda ni desvíe la atención fue muy trabajado entre Ravel y Fokine para una partitura que es una "sinfonía coreográfica" en tres partes encargada por el omnipresente Diaghilev, un "gran fresco musical menos preocupado por el arcaismo que por la fidelidad a la Grecia de mis sueños", que también citó María Sanhuesa del Esbozo biográfico dictado por el compositor a Roland-Manuel. Foto©OSPA.comLa OSPA volvió a sonar perfecta en cada sección, una plantilla ampliada como ya apunté que es para deslumbrar (no faltó la máquina de viento o eolífono), siendo Milanov quien sacaba a la luz las distintas combinaciones coloristas de familias y solistas en perfecto entendimiento con el maestro. Y el coro como un bloque más imbricado en la ampliación suprema de la paleta orquestal, bien todos o sólo las voces graves, con ausencia de referencias textuales y dificultad añadida que "los leones" superan con el duro trabajo al que les somete Marco A. Gª de Paz, sin perder nunca la globalidad sonora de cada motivo desarrollado con la maestría de un Ravel aún investigador de texturas y rítmicas. El análisis de la obra en la "Guía de la música sinfónica" dirigida por Tranchefort desmenuza la hora de música que pasó volando para goce de intérpretes y público: el lirismo de la trompa y el célebre intervalo de quinta, el enriquecimiento colorista añadido por el coro con las irisaciones de la cuerda y las dos arpas, el violín con un nuevo motivo siempre con la danza presente, en especial la guerrera tras los piratas, "Animado y muy rudo" con una madera portentosa y segura... Destacable el conocido tercer cuadro, "amanecer" cual contraste con los nocturnos debussianos, cantos de pájaros y el coro auténtico sol inundando de luz emergiendo de la orquesta profunda en una técnica sumativa que de forma imperceptible alcanza la apoteosis mágica firmada por Ravel. Y la flauta de Myra Pearse persuasiva, cristalina, apoyando el encuentro de los amados "Dafnis y Cloe" premonitorio de la bacanal de ritmo desenfrenado y ricos colores que esta OSPA atesora.Foto©OSPA.comLa fiesta de música colorista, de colores musicales, pareció dar la bienvenida a la recién estrenada primavera y despedida a la "nit del foc" valenciana, una paleta de colores a la que se añadió el dorado coral que pareció pintar Klimt con música francesa. Mahler espera en menos de 24 horas...




Ópera Perú

12 de febrero

Opera Awards presenta a los nominados del 2014

The Opera Awards Foundation presenta a los nominados en diversas categorías, que serán premiados en Londres el próximo 7 de abril. JURADO  John Allison  Editor of Opera magazine, and classical music critic of The Sunday Telegraph.  Hugh Canning  Chief Music critic of The Sunday Times and regular Opera contributor.  George Loomis  George covers opera and classical music for the International Herald Tribune, The Financial Times and Opera magazine.  Fiona Maddocks  Classical music critic for The Observer.  Sir Peter Jonas  Former Artistic Director of Bavarian State Opera.  Elaine Padmore  Director of Opera at Covent Garden until 2011.  Nicholas Payne  Director of Opera Europa.  NOMINADOS OPERA AWARDS 2014 Mayor accesibilidad Badisches Staatstheater Karlsruhe  Opera Australia - Handa Opera on Sydney Harbour  Ruhr Triennale  Scottish Opera  Teatro Sociale di Como  Mejor producción aniversario Britten: Peter Grimes on the beach (Aldeburgh Festival)  A Midsummer Night’s Dream (Parque Lage, Rio de Janeiro)  Gloriana (Hamburg Staatsoper/Royal Opera)  Verdi: La forza del destino (Bayerische Staatsoper)  La traviata (La Scala)  Les Vêpres siciliennes (Royal Opera)  Verdi trilogy (Hamburg Staatsoper)  Wagner: The Melbourne Ring (Opera Australia)  Parsifal (Metropolitan Opera)  Parsifal (Vlaamse Opera)  Das Rheingold (Grand Théâtre de Genève)  Mejor CD (Opera completa)  Belisario (Donizetti), c. Mark Elder (Opera Rara)  Der fliegende Holländer/Le Vaisseau fantôme (Wagner/Dietsch), c. Marc Minkowski (Naïve)  Königskinder (Humperdinck), c. Sebastian Weigle (Oehms Classics)  Otello (Verdi), c. Riccardo Muti (CSO Resound)  The Rape of Lucretia (Britten), c. Oliver Knussen (Erato/Warner Classics)  Serse (Handel), c. Christian Curnyn (Chandos)  Written on Skin (Benjamin), c. George Benjamin (Nimbus)  Mejor CD (Recital)  Andrzej Dobber: Arias (DUX)  Ann Hallenberg: Hidden Handel (Naïve)  Bejun Mehta: Che puro ciel (Harmonia Mundi)  Xavier Sabata: Bad Guys (Aparte)  Mejor Coro Bayreuth Festival  Deutsche Oper Berlin  Metropolitan Opera  MusicAeterna—Perm State Opera  Welsh National Opera  Wexford Festival  Mejor director de orquesta  Teodor Currentzis  Mark Elder  Andris Nelsons  Gianandrea Noseda  Kirill Petrenko  Simone Young  Mejor diseñador de escena Paul Brown  Aleksandar Denić  Robert Jones  Brigitte Reiffenstuel  Leslie Travers  Mejor director de escena Calixto Bieito  Tatjana Gürbaca  Barrie Kosky  Martin Kušej  Dmitri Tcherniakov  Mejor DVD  David et Jonathas (Charpentier), c. William Christie, p. Andreas Homoki (Bel Air Classiques)  The Gambler (Prokofiev), c. Valery Gergiev, p. Temur Chkheidze (Mariinsky)  Médée (Cherubini), c. Christophe Rousset, p. Krzysztof Warlikowski (Bel Air Classiques)  Moby-Dick (Heggie), c. Patrick Summers, p. Leonard Foglia (Euroarts)  Pelléas et Mélisande (Debussy), c. Stefan Soltesz, p. Nikolaus Lehnhoff (Arthaus)  The Rape of Lucretia (Britten), c. Paul Daniel, p. David McVicar (Opus Arte)  The Tempest (Adès), c. Thomas Adès, p. Robert Lepage (DG)  Mejor cantante femenina Diana Damrau  Christine Goerke  Anja Harteros  Christiane Karg  Petra Lang  Adrienne Pieczonka  Krassimira Stoyanova  Mejor festival de ópera Aix-en-Provence  Bregenz  Glyndebourne  Longborough  Pesaro  Wexford  Mejor cantante masculino Stéphane Degout  Bryan Hymel  Peter Mattei  Luca Pisaroni  Stuart Skelton  Michael Volle  Ludovic Tézier  Mejor nueva producción Die Frau ohne Schatten, Bayerische Staatsoper  Guillaume Tell, Rossini Opera Festival, Pesaro  Lulu, Welsh National Opera  Norma, Salzburg Festival  Die Soldaten, Oper Zurich  Les Vêpres siciliennes, Royal Opera  Wozzeck, ENO  Mejor compañía de ópera  Bayerische Staatsoper  Komische Oper, Berlin  Metropolitan Opera  Royal Opera, Covent Garden  Vlaamse Opera  Oper Zurich  Mejor patrocinador / filántropo Edgar Foster  Daniels Alan and Jette Parker  Club des Mécènes  The Neubauer Family Foundation  Premio del público (puede votar el público en este enlace)  Piotr Beczała  Joseph Calleja Joyce DiDonato  Renée Fleming  Juan Diego Flórez  Anna Netrebko  Bryn Terfel  Mejor obra redescubierta Cristina, regina di Svezia (Foroni), Wexford  Elena (Cavalli), Aix-en-Provence  L’Olympiade (Myslivešek), Dijon-Caen-Luxembourg-Prague  Oresteia (Taneyev), Bard SummerScape  Mejor estreno mundial Champion (Terence Blanchard), Opera Theatre of Saint Louis  The Merchant of Venice (André Tchaikowsky), Bregenz Festival  Oscar (Theodore Morrison), Santa Fe Opera  Qudsja Zaher (Paweł Szymański), Polish National Opera  Spuren der Verirrten (Philip Glass), Landestheater Linz  Mejor cantante joven Emöke Baráth  Jamie Barton  Helena Dix  Joyce El-Khoury  Joélle Harvey  Duncan Rock  Corinne Winters  Pretty Yende

El Blog de Atticus

12 de febrero

RECITAL DE MARÍA JOSÉ MONTIEL Y LUISA DOMINGO - Palau de la Música de Valencia - 11/02/14

Los que tenemos la inmensa suerte de disfrutar con la música clásica y asistir regularmente a óperas, conciertos y recitales, sabemos que hay días, muy pocos pero inolvidables, en los que, sin saber muy bien por qué, surge la magia y se vive el Arte (con mayúscula) en estado puro. Hay veladas en las que la comunión entre intérprete y público es total, en las que la separación entre el patio de butacas y el escenario no existe, y el cantante, o el músico, parecen estar a solas contigo, cada vez más cerca de ti, cada vez más dentro de ti, convertidos en perfecto vehículo portador de las emociones que, hace muchos años, un compositor sentado en su mesa de trabajo quiso transmitir mediante las notas que garabateaba en una partitura. Hay tardes, como la de ayer, en las que uno llega a pensar que es imposible alcanzar mayor grado de perfección y belleza mediante el sonido de la voz humana y la pulsación y caricia de las cuerdas de un arpa. La mezzosoprano madrileña María José Montiel y la arpista valenciana Luisa Domingo, ofrecieron ayer en el Palau de la Músicade Valencia un espectacular recital, dentro de la programación de la Sociedad Filarmónica de Valencia, que guardaré para siempre en mi memoria. Una primera parte dedicada a mélodie y ópera francesa, y una segunda a canción española más dos piezas en portugués de Jayme Ovalle y Ernesto Halffter, componían un programa sabiamente construido, que, unido a la siempre cálida y bella voz de la Montiely el virtuosismo de Domingo, hacía presagiar que pasaríamos una estupenda tarde. Pero se consiguió mucho más. Es habitual en un recital de este tipo que haya altibajos, que aparezcan momentos en los que la cabeza se te vaya a otra parte, que desees que llegue cuanto antes ese tema que tanto te gusta, que te distraiga hasta el vuelo de una mosca... Lo que no es normal es que desde que suene la primera nota hasta que salgas de la sala, estés con los pelos de punta por la emoción; que la gente se ponga en pie a mitad de recital para aplaudir y bravear durante minutos la ejecución de un aria, como pasó con el "Mon coeur s'ouvre a ta voix"de Samson et Dalila; que en la primera canción ya haya gente con lágrimas en los ojos; que ni la señora del sonotone desajustado y el papel de caramelito tamaño paella gigante de Galbis, pese a los múltiples intentos de desconcentrarte, lo consiga... Y todo eso ocurrió ayer. Los que me conocéis y seguís el blog, sabéis que soy un enamorado de la voz de María José Montiel, a la que admiro como cantante y estimo como persona. Por eso sé que algunos pensarán que estoy exagerando mis alabanzas. Pero también sé que los que ayer estuvieron en el recital posiblemente opinen que me estoy quedando corto y que mi torpe escritura no alcanza a describir la intensidad de las emociones sentidas. Y todo esto hay que valorarlo todavía más teniendo en cuenta el tipo de espectáculo del que estamos hablando. Un recital de canciones con el acompañamiento de un instrumento es una prueba de fuego para cualquier intérprete. Ahí el artista tiene que despojarse de todo artificio y la voz queda desnuda, dejando en evidencia cada virtud, pero también cada defecto o imprecisión en su manejo. Si a eso le añadimos que el instrumento acompañante era un arpa, la dificultad técnica se multiplica, pues el cantante carece en ocasiones de apoyo y la riqueza en armónicos del arpa complica más la afinación. Todo eso no fueron inconvenientes para que María José Montiel llevase a cabo una actuación impecable, técnicamente perfecta, ofreciendo además un recital de canto valiente, por derecho, auténtico. Su voz carnosa y enorme llenaba cada rincón de la sala en los fortes y posiblemente hiciese saltar el poco trencadís que quede en el cercano edificio de Les Arts, pero esa voz tan grande era domada y regulada al servicio de la expresividad, con una sensibilidad exquisita. Las medias voces que se escucharon ayer fueron de antología, "a la antigua", como apuntaba mi compañero de butaca. Auténticas medias voces, no el típico "cantar bajito", perfectamente recogidas, templadas, en frases largas, afinadísimas y con una regulación del aliento milimétrica. Los pianísimos fueron audibles hasta el último soplo de aire; la precisión en la colocación de cada nota, irreprochable; y la claridad en la emisión, así como su articulación y dicción, admirables. Una magistral exhibición técnica, pero siempre al servicio de la belleza del resultado, no del lucimiento personal. No hubo ni un sólo toque efectista en busca del aplauso fácil. Allí sólo mandaba la belleza musical y la Montielfue su instrumento perfecto. Luisa Domingonos ofreció unas adaptaciones para arpa interesantísimas, acompañando en su justa medida a la voz, envolviéndola en perfecta armonía y enfatizando las emociones del texto con virtuosa ejecución. Personalmente, me quedo con la primera parte del recital. Creo que con la música francesa lució más la voz de María José Montiel, que está llamando a gritos debutar Dalila o Charlotte (Werther). Que alguien se lo diga a Helga, ya. El momento cumbre de la noche posiblemente se viviera, como ya apunté antes, con el "Mon coeur s'ouvre a ta voix", de Samson et Dalila de Saint Saëns. Absoluto derroche de expresividad y presencia escénica. Dibujando perfectamente cada matiz del texto. Fue sublime cómo cogió la primera nota de "Samson! Samson! Je t'aime!", y enormemente sensual como se deslizaba la voz mientras las manos hacían lo propio en "Verse-moi, verse-moi l'ivresse!". Pero no menos emocionantes resultaron el "Connais-tu le pays", de la ópera Mignon de Ambroise Thomas que abrió el concierto, o las mélodies subsiguientes de Hahny Debussy, con un refinamiento exquisito en la ejecución que se repetiría en esos dos temas de Massenet que precedieron a un descanso que nadie en el patio de butacas quería que llegara. De la segunda parte destacaría especialmente el susurro poético que desprendió esa Nana de las Siete canciones populares de Falla. En "Azulão", de Ovalle, nos brindo algunas de las mejores frases de la noche, con un control del fiato y la respiración apabullantes. Y el programa terminaba con el "Fado (Ai que linda moça)" de Halffter, sentidísimo, enhebrado con la sensibilidad a flor de piel y que finalizó con las dos intérpretes con lágrimas en los ojos y abrazadas. Tras el delirio final del público, la propina no se hizo esperar. Una Habanerade Carmen sin tonterías. Descarada y sensual, pero sin perder la elegancia que requiere su canto. La sala pedía más, pero el síndrome de Stendhal estaba ya llamando a la puerta, e igual que tras una buena cena, el secreto está en no llegar a saciarse. El público salió emocionado y las artistas también. Esa es la magia. Decía al principio que hay ocasiones en que ésta surge sin saber muy bien por qué, y entonces se vive el Arte en estado puro. Haré una corrección. Ayer sí supimos por qué: porque allí había dos artistas inmensas que nos ofrecieron generosas todo el fruto de su sacrificio y esfuerzo personal a lo largo de los años, con el único objetivo de hacernos un poco más felices, haciéndonos disfrutar de una maravillosa música exquisitamente ejecutada. Y a fe mía que lo lograron. Gracias a la Sociedad Filármonica de Valencia por esta iniciativa. Y, sobre todo, gracias, María José y Luisa. No tardéis en volver.



El blog de Manu

9 de febrero

A GREAT EXPERIENCE WITH LEONIDAS KAVAKOS AND ENRICO PACE!

Hi guys, This week, I was charged with the risky task of being the page-turner of Enrico Pace in the concert he was going to hold in Madrid's National Auditorium with Leonidas Kavakos. The concert program was magnificent: in the first part, they played Beethoven's Violin Sonata nº 7 in C minor and Debussy's Violin Sonata. In the second part, the Posthumous Violin Sonata by Ravel was played, as well as Respighi's Violin Sonata in B minor. Needless to say everything went well, and I had a great fun watching how Kavakos and Pace got along so well, making jokes even five seconds prior to the beginning of the concert... literally speaking!!! The Beethoven Sonata was excellent, and I encourage you to listen to the recordings these two artists made. Here I leave you with a video of Kavakos explaining one by one all the Beethoven Violin Sonatas. Enjoy! The Debussy Sonata brings us to a more intimate setting, and we already see Debussy's search for another musical language, which he will find later on in his life... The Ravel Posthumous Violin Sonata was actually written early in his life, but was lost during decades and only found in the 1970s. Like the Debussy Sonata, we see that Ravel is trying to find his own musical language, but looking with a great respect the previous works for Violin and Piano. Finally, the Respighi Violin Sonata goes away from the search of new styles and becomes more insightful, passionate and powerful than the two French composers, and goes back to Beethoven, sort of speaking... As the concert ended late at night, around 10 PM, I went back home and listened to Mozart's "Eine kleine Nachtmusik", ending therefore a perfect day full of work, fun and enjoyment!!! I hope you liked the music. See you as soon as possible, MANUOriginal post blogged on b2evolution.

Ópera Perú

5 de febrero

Lo mejor del 2013: Los 5 mejores espectáculos y el músico del 2013

Por Gonzalo Tello (Operaperu.com)  La verdad que hace tiempo debí publicar estas opiniones pero por motivos de demoras en el relanzamiento de este blog que aún está pendiente se dilataron.  Ya que los grandes medios ni fueron a los conciertos ni han publicado, como en otras épocas, un resumen del año que pasó con todos sus acontecimientos musicales, me permitiré, ya que asistí a muchos de ellos, a la mayoría, comentar sobre lo que vimos y hay que destacar. Antes de hacer un extenso recuento de todo y lo mejor que vimos en música clásica en el 2013, les diré cuales fueron para mi los mejores cinco espectáculos del 2013 y quien a mi parecer se lleva el premio de mejor músico de nuestro medio. En mi opinión estos fueron los cinco mejores espectaculos del 2013 Foto: Difusión 5. Philip Glass y Tim Fain en Lima Eminencia y legendario compositor americano por fin llegó a nuestro país después de tantas giras sudamericanas en que nos obviaba. Llegó para dar un recital junto al violinista Tim Fain, en el que presentó obras al piano como Methamorphosis o Mad Rush, entre otras de la creación de este autor reconocido mundialmente y totalmente vigente. Si bien Glass no debe ser el mejor intérprete de sus propias obras, si nos deja ese placer de escuchar al autor interpretarlas. privilegio de pocos que en su tiempo vieron a los grandes. Y aunque el programa fue particular, el solo hecho de que un compositor de ese nivel llegue a nuestra ciudad ya hace que este evento sea de los mas destacados. Ambos artistas mas temprano  ese día compartieron opiniones en un conversatorio con prensa y fanáticos a la música. Foto: Ministerio de Cultura 4. Re estreno de la ópera "Atahualpa" de Carlo Pasta El Festival Internacional de Ópera "Alejandro Granda" si bien por motivos de falta de apoyo económico no pudo presentar una versión escénica, presentó una versión en concierto de esta olvidada y rescatada ópera de un compositor italiano que radicó durante el siglo 19 en nuestro país y escribió esta ópera basada en los últimos días del Inca Atahualpa. La orquestación se hizo especialmente para esta ocasión en Italia y el reparto fue uno internacional de primer nivel en el que destacaron mayormente el barítono griego Aris Argiris como Atahualpa, el tenor italiano Ivan Magrí como Hernando de Soto y el bajo ruso Vassily Ladyuk como Francisco Pizarro . La música, si bien copia los estilos de la época de Donizetti, Verdi, incluso Meyerbeer, deja entrever una inspiración interesante, que interpretada con ese nivel de artistas hace de esta presentación una de gran valor histórico para las artes en nuestro país. Lamentablemente la ignorancia y pobre criterio de los periodistas de los principales medios hicieron que esta presentación pasara casi desapercibida y sin el peso que se le debió dar. "Atahualpa" es un proyecto que se viene preparando desde hace años y que por fin vió la luz en 2013, aunque a medias. Quizá en un futuro cercano se llegue a representar en escena localmente, ya que por lo poco interesante de su argumento y música sería difícil que se vuelva popular en el repertorio mundial. 3. Orquesta Sinfónica de Israel, dirigida por Zubin Mehta Con una presentación en el GTN y por primera vez en Lima, celebrando el 106 aniversario de la Sociedad Filarmónica de Lima, llega esta orquesta de clase mundial con un director legendario a ofrecernos la sinfonía no. 40 de Mozart (obra para 39 músicos) y la Sinfonía no. 5 de Mahler (para la orquesta completa de 89 músicos). Uno de los puntos mas altos de este concierto y podemos decir de la historia musical de nuestro país se dió al inicio, cuando Mehta dirige a la orquesta interpretando nuestro Himno Nacional. Momento extraordinario por lo cual hasta ahora no entiendo como el GTN no ha publicado o difundido. Esperemos lo haga ya que es un momento que debe compartirse con el público, no es algo privado. 2. Joshua Bell y Alessio Bax Uno cuando asiste a un recital puede ver a un regular intérprete, a un buen intérprete, a un excelente intérprete o a un extraordinario intérprete. Joshua Bell no solo es extraordinario sino que además brilla con luz propia. El recital que ofreció dentro del ciclo de abono de la Sociedad Filarmónica de Lima junto al pianista italiano fue impecable desde todo punto de vista y con un programa variado con obras de Mozart, Beethoven, Debussy y Grieg. Bell no solo es reconocido por el público de música clásica sino que es una superestrella mundial con premios y reconocimientos por doquier, y se entiende dada la energía que el artista transmite con su violín sobre el público. Foto: Gran Teatro Nacional 1. Sinfonía no. 2 "Resurrección" de Gustav Mahler. Coro Nacional y Orquesta Sinfónica Nacional El mejor espectáculo del 2013 sin lugar a dudas fue la presentación en el Gran Teatro Nacional y estreno en nuestro país de la Sinfonía no. 2 "Resurrección" de Gustav Mahler, que contó con la participación del Coro Nacional, dirigido por Javier Súnico, la Orquesta Sinfónica Nacional dirigida por su titular Fernando Valcárcel, y las solistas Ximena Agurto y Caridad Herrera. Ustedes se preguntarán por qué? yo digo por varios factores. Esta es una obra apoteósica desde todo punto de vista y muy compleja de lograr para un elenco tan grande. Es un ejemplo de lo que nuestros elencos pueden llegar a hacer con esfuerzo, ensayos y trabajo. Es un claro ejemplo además de la situación actual por la que viven nuestros elencos nacionales, en un teatro decente, con incentivos de acuerdo a su profesión y con un trabajo dedicado en una programación de conciertos variada, dedicada a lo peruano y exigente con los músicos. La recepción de estos dos conciertos llenó las expectativas de los asistentes que aplaudieron de pie a los casi 250 músicos en escena. Fue una velada para recordar. Foto: Ministerio de Cultura El Músico del 2013 Si bien han habido músicos peruanos que han destacado en este 2013, quiero destacar y premiar de alguna forma la labor de uno que se llevaría el reconocimiento. El artista que merece el reconocimiento por su ardua labor en favor de la cultura es Fernando Valcárcel, director de la Orquesta SInfónica Nacional. Es mas que obvio su compromiso por mejorar a este elenco, darle variedad a los programas, introducir nuevas obras, ampliar el repertorio contemporáneo y rehivindicar a las obras de compositores peruanos que durante lo que yo llamo el "oscurantismo de la OSN" bajo la dirección de Santos, Málaga o Maggiolo, poco o nada se hizo. La orquesta ha adoptado un ritmo de trabajo ya no de conciertos semanales, sino periódicos que le dan tiempo de afinar, ensayar y preparar bien sus programas, sobretodo cuando vienen obras complejas. La diferencia es tremenda. El mérito a este músico que ha traído a este principal elenco a una primavera bienaventurada. Momentos en lo que la orquesta brilló especialmente fueron durante la sinfonía no. 2 de Rachmaninov, o en "Muerte y transfiguración" de Strauss, el estreno de "Hanaq Pachaq" de Édgar Valcárcel, entre otros. Este 2014 esperamos mas de este elenco, siempre con la mayor exigencia posible.

Claude Debussy
(1862 – 1918)

Claude Debussy (22 de agosto de 1862 - 25 de marzo de 1918) fue un compositor francés. Junto con Maurice Ravel , fue una de las figuras más prominentes que trabajaron en el campo de la música impresionista , aunque a él mismo no le gustaba este término cuando se aplicaba a sus composiciones. Debussy es uno de los más importantes compositores franceses, y una figura central en la música europea de finales del siglo XIX y comienzos del siglo XX. Fue nombrado Caballero de la Legión de Honor en 1903. Su música se caracteriza por su componente sensorial y por cómo se distancia de la tonalidad. A menudo el trabajo de Debussy refleja las actividades o las turbulencias en su propia vida. Su música define prácticamente la transición de finales de la música romántica hasta el 20 de siglo de música modernista. En los círculos literarios franceses, el estilo de este periodo fue conocido como el simbolismo , un movimiento del que se inspira directamente Debussy, tanto como compositor, como participante activo cultural.



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